...Mujeres de luna: al filo del agua...

Ciertamente, todos tenemos algo de hombres y mujeres de luna, todos, en algún momento, hemos vivenciado y evocado la locura que la luna ejerce sobre nuestro entorno, algunos hemos amado bajo la luna, otros escribimos y deseamos con todas nuestras fuerzas que la luna se apodere de nosotros; unos tantos, le hemos bailado a ella en busca de respuestas…

El Examen Profesional está en la puerta, es cuestión de tiempo, poco menos de un mes para que el telón se abra y el ritual empiece en la percepción de los ajenos, para que la música, la iluminación, el vestuario, la escenografía y los cuerpos llenos de movimiento cobren vida en el espacio escénico. Todo lo que somos, todo lo que tenemos como seres de Tierra prestado y puesto al servicio de la Luna.

La obra, son muchos momentos que engloban la cadencia de estas Mujeres de luna -locura, pasión, frenesí, soledad, fuerza, determinación, compañía, insistencia, valor, grandeza, supervivencia… EXISTENCIA!!!!!-. Todo para encarnar y hacer posible la invención de mujeres de otro tiempo y otras formas.

Al filo del agua, puede ser todo y nada, puede tener significado o no, pude existir o ser simplemente carente de interpretación; todo depende de lugar que se visite dentro de este borde que puede dar paso a la muerte o enmarcar el inicio de vida. Todo depende del instante, del momento en el que estamos transitando.

Recta final, fin de un ciclo, comienzo de una nueva historia, deseos propios, fecundidad o largos minutos de tiempo muerto. No lo sé, eso es tarea de cada quien; lo que es un hecho es que el tiempo en la Licenciatura terminó, el ciclo se cierra lentamente, el filo del agua se acerca, nos estruja, nos moja y nos eleva. Las mujeres de luna insisten en mojarse en la vertiginosidad de algún filo al que nos invite la Tierra.

ATENAS ARROYO ALDANA

La Vivencia del Espectador.

La estética en el arte nos acerca fácilemente a la belleza pura, nos impulsa casi de manera inconsciente a redescubrir lo lo humano, lo sublime. Al despertar en nosotros emociones que nos atrapan, imágenes que nos transportan y provocan nuestra imaginacion: en su planteamiento esta ciencia no ha tenido limites pero si distintos enfoques de pensadores, filósofos, psicólogos,sociólogos y artistas.

La belleza en si es un fenómeno de la humanidad, el como se produce, como se percibe como se valora,admira, incluso en los parámetros que se cataloga dependiendo del contexto histórico y sociocultural en el que se esta viviendo. La belleza es subjetiva, la forma en que se aprecia la belleza y la fealdad evoluciona con la visión del ser humano a través de las épocas, pero jamas sera indiferente, es esa parte de deseo que el ser humano busca constantemente o esta ahí de forma inconsciente por lo bello que inspire y transporte.

Por otra parte el bailarín en la actualidad no siempre tiene como objetivo encontrar la belleza en lo que crea, o al menos no se presenta como su única finalidad, abre las posibilidades expresivas con su cuerpo como una de las mas grandes manifestaciones artísiticas.

La danza tiene gran valor por la riqueza que ofrece a la estética para analizar es un medio instantáneo para transmitir sensaciones intensas capaces de captar el sentimiento mas bello y sublime del alma.

Mariana Papaqui Briones.

Referencia Bibliográfica: La Estética en el Arte.

Adolfo Acha.

una mujer de luna...

Ser una Mujer de Luna y estar al Filo del agua, ha resultado un tanto complicado.
Se supone que la danza contemporánea nos ha entrenado para interpretar diversos personajes. De tal manera que, ser una mujer de luna a plena luz del día y estar al filo del agua sobre una superficie que tiene todo menos agua y bordes que puedan tomarse como filo, debería ser trabajo de todos los días.
Pero en mi experiencia personal con éste montaje no ha sido tan sencillo. Hay algo que falta para terminar de "aprehender" este concepto.
Hoy ni siquiera voy a intentar responder qué es lo que falta, pero estoy en el camino a descubrirlo. Tal vez tenga que ver con que siento que cuando cada quien hace lo que se le ocurre, pues resultan mujeres de lunas de distintos planetas cada una, y no hay una cohesión de las integrantes, ni un camino que nos guíe hacia esto.... ¿será eso?


Susana Galindo Aguilar

La Invitacion de Hoy.

Danza Contemporanea como expresion se ha tornado muy diversa, sin limites en su creacion, por ello la danza mas libre y evolucionada que el ser humano pueda experimentar.

Tener la oportunidad de apreciar una pieza o fragmento de Danza Contemporanea nos brinda la oportunidad de despertar la sensibilidad y percepcion propia, al apreciar y admirar de manera constante lo increible y maravilloso, que el cuerpo humano es, lo poderoso que puede llegar a ser para transmitir y comunicar en su maxima expresion. Todo esto puede llenar nuestros sentidos de placer si nos damos tan solo un momento para disponernos a ello, un momento para permitirnos liberarnos en lo que se observamos, permitir el estimulo visual y auditivo que nos ofrece el movimiento artistico.

Cabe mencionar que el Ser humano es sensible por naturaleza, sin embargo los factores socioculturales que lo envuelven cotidianamente intervienen al influir en su desarrollo psicologico y emocional, que en algunos casos ponen una barrera que puede limitar sus cualidades emotivas, sensitivas o perceptivas.

El poder acercarse a la danza como espectador es una grata oportunidad para despertar emociones que nos atrapen, imagenes que nos transporten y provoquen a nuestra imaginacion.

Tan solo un momento para deleitar el sentido que la danza ofrece y propone en ese instante escenico, su escencia de lo que la hace la compone y le permite existir tan solo por ese momento.

Mariana Papaqui Briones

Investigación de movimiento

El montaje de “Mujeres de luna: al filo del agua” esta basado en una investigación constante de movimientos, que las interpretes van encontrando en sus diferentes contrastes, logrando la creación de secuencias, que ayudaran al coreógrafo a tener una visualización de una estructura mas clara y definida, para lograr la esencia de cada interprete en el montaje, dando vida y estilo.
El lenguaje corporal que requiere esta coreografía se puede describir en trazos acuosos, ligados, ligeros, etc., pero siempre con una energía al máximo, la mayoría de estos movimientos son trazados dentro de su kinesfera del intérprete, la investigación del movimiento, juega un papel muy importante dentro de cualquier montaje, pues al desarrollar repeticiones constantes de secuencias, crea un mensaje claro al cuerpo del interprete esto permite que los ejecutantes tengan una mejor claridad de lo que están haciendo y de lo que quieren transmitir, esto ayudara que la puesta en escena sea mas clara para el espectador.
Una investigación de movimiento, es saber apropiarse a través de la exploración de cualquier trazo, dibujo, movimiento, secuencia, etc., recorriendo todos los caminos a los que pueda llevarme y así poder transmitir una sensación de libertad de movimiento.

Elizabeth Castro.

Aprehendiendo a "Mujeres de luna: al filo del agua"

Para que las intérpretes pudiéramos entender y aprehendernos de la obra “Mujeres de luna: al filo del agua”, el coreógrafo, nos explicaba, que los movimientos debían estar llenos de significación, de energía, de fuerza y vigor, rozando la sensación de un “ritual”. Para entenderlo mejor, aquí una breve definición:
Ritual: es una serie de acciones, realizadas principalmente por su valor simbólico, que es prescrita por una religión o por las tradiciones de una comunidad. Los rituales se realizan por diversas razones, tales como la adoración de un dios (lo que correspondería un ritual religioso) o simplemente para denominar a una acción cotidiana que se repite muy frecuentemente. Tomado de www.wikipedia.org
Es decir, desde la perspectiva dancística, la obra, con un carácter más o menos solemne, debe estar nutrida de movimientos significativos, con un alto valor simbólico para las bailarinas, que nos apropiamos progresivamente de esta composición. Como intérpretes, hasta cierto punto, nos obsesionamos por llenar y dar vida a la obra a través de la energía impresa en el movimiento.
Lidia López Romero

CONCIENTIZAR...

Es la acciòn de hacer tomar la conciencia, de despertar la conciencia acerca del valor y dignidad de la persona humana. Concientizar implica que la persona se sitùa, en alguna medida, como agente activo en su inserciò`n en la naturaleza y en la sociedad. Y atravez de esta inserciòn que significa toma de conciencia de su situaciòn, encuentra la motivacion y el impulso para actuar transformadoramente en la sociedad, como sujeto de la contrucciòn del mundo. Asi entendida, la concientizacion es siempre una toma de conciencia que impulsa a la participaciòn activa dentro de la sociedad, y se traduce, en forma de accion liberadora. El hombre concientizado es comprometido.

Es por ello que morpho azul debe tomar conciencia con respecto al montaje de Mujeres de Luna: Al Filo del Agua, y no olvidar todo el trabajo realizado durante un año con respecto a la forma de entrenamiento del cuerpo, la improvisaciòn y la exploraciòn, por que entonces no se vera reflejado el trabajo al final del montaje. Debemos compromenternos cada una de las integrantes del grupo a sumirgirnos al trabajo personal de entrenamiento, movimientos y consignas que el coreografo nos pide. Y como resultado de esto sera la interpretaciòn de cada una de las ejecutantes de morpho azul.

MetaMORPHOsis

“Un día en una pequeña abertura apareció una oruga un hombre se sentó a observar a la mariposa por varias horas y ver como se esforzaba para hacer que su cuerpo saliera de ese pequeño agujero, llego un momento en el que la oruga a pesar de su esfuerzo no avanzaba nada, parecía que había llegado a un punto en donde no podía más. Entonces el hombre decidió ayudar a la oruga y agrandar el agujero y entonces la mariposa salió sin dificultad. Pero su cuerpo estaba débil, sus alas no estaban desarrolladas y las patitas no la sostenían. El hombre continúo observándola esperando que en cualquier momento se lanzara a caminar y emprendiera su vuelo. Pero nada sucedió la verdad es que la mariposa se arrastro toda su vida, fue incapaz de elevar el vuelo. Lo que el hombre hizo fue de buena voluntad ayudar a la mariposa lo que él no sabía es que al realizar el esfuerzo de pasar por el agujero los jugos vitales se iban distribuyendo y extendiendo por las partes del cuerpo que requerían fuerza para volar. Al pasar el agujero sin ese esfuerzo las alas no recibieron la sustancia necesaria”. Leandro Valdir.
Así cada una de las integrantes de Morpho Azul ha pasado por procesos distintos, haciendo su trabajo y poniendo su propio esfuerzo sin dejar que nadie más lo haga por ellas, pero algunas veces se han llegado a encontrar algún obstáculo en el camino lo que implica que no fue fácil llegar aquí, pero ahora estamos en la recta final de un ciclo. Y de aquí partimos a Mujeres de luna: al filo del agua…

Julieta Arau

MUJERES DE LUNA: AL FILO DEL AGUA

En pleno proceso de montaje, a pocos días de estreno, Mujeres de luna: Al filo del agua, es toda una incógnita que va desenredando y enredando asuntos, moviendo, palpitando y generando ideas que vierten enfoques distintos en maneras distintas de definir y concebir la vida y lo que se espera de manera personal para cada coreografía.

Es ahora, en donde aparece toda la vorágine no sólo de imágenes sino de intercambio de energías y personalidades que conviven en uno mismo para acceder a un campo que se encuentra lleno de información, transmitida por el creador y su proceso creativo y por las experiencias de vida que cada quien posee. Lleno también, de secuencias de movimiento que hacen posible el trabajo coreográfico.

Es un momento perfecto para la recepción de ideas que provocan impulsos de vida ordenados para hacer, crear, provocar y encarnar Danza. Éste es el momento para inventar preguntas y respuestas, detalles sutiles que definan no sólo el lenguaje corporal sino toda la demanda de vivencias y de presencia que se requiere para comprometerse con el proyecto que va definiendo poco a poco nuestro transitar por la Danza en esta etapa que representa el fin de ciclo de la educación secular.

Es, a manera personal, un lapso difuso que se mueve aún en lo superficial, es un período de aprendizaje de movimiento, de limpieza de ideas, de uso de recursos de mi propio cuerpo al servicio de lo que todavía es la mezcla del inicio concreto con la fuga de la realidad para contar con lo humano que tiene la obra, para entrar a lo mas sensible que poseo.

Creo que el transcurso de los días, la práctica, la repetición consiente y la valoración de lo que se hace en cada instante va ayudando a la asimilación e interiorización de los conceptos de movimiento y de la vida de la propia obra.

El siguiente paso, desde mi punto de vista, es el de la transformación y la transfiguración de toda esta información para gestar en lo más profundo de nuestro ser todo lo necesario para que las Mujeres de luna existan y sean posibles. Para caminar en el espacio lunar destinado a éstas mujeres con su propia historia.

ATENAS ARROYO ALDANA

En busca de la Supervivencia Energetica.

Un bailarin necesita desarrollar y potenciar sus capacidades fisicas y mantenerlas activas.
La forma en que interactua y se desenvuelve un bailarin escenicamente es a traves de si mismo por medio de su cuerpo, por ello trabaja infinitamente en el con dedicacion para desarrollar habilidades y potenciar al maximo sus habilidades fisicas, incluso retarlas y desafiarlas en cierto grado.
Este resulta un trabajo de entrenamiento de constante desgaste fisico al mantenerlo fuerte, vital, activo y entrenado, (uno de los objetivos en la preparacion diaria del bailarin) mantener un cuerpo capaz de responder a todos los impulsos y reflejos que la danza demanda en un perfecto equilibrio para propiciar una interpretacion clara y fluida.
Asi como el bailarin requiere de una fortaleza fisica, tambien la requiere de forma mental, madurez emocional para manejar y controlar con prefecta comunicacion su cuerpo mente y espiritu.
Sin un control y equilibrio adecuado de de las tres energias (emocional, fisica y mental) puede traer consecuencias desfavorables como un agotamiento exhaustivo, lesiones por agotamiento, etc.
El saber manejar la energia propia en escena no solo es el arranque y motor del movimiento es una necesidad de "supervivencia escenica".

Mariana Papaqui Briones.

Técnica Topf Release...

Retomando el tema de la forma de trabajar de Morpho Azul aquí unas palabras de Nancy topf explicando la técnica:
Release (topf) es una clase donde interesa particularmente la alineación anatómica y la utilización particular del esfuerzo muscular. Es una técnica donde la mente trabaja muchísimo para poder realizar el movimiento desde "los huesos", sin aplicar un absurdo e innecesario esfuerzo muscular.
La técnica Topf se basa en las direcciones esenciales del cuerpo y el deseo de movimiento. A través de la iniciación de un proceso de reflexión interna que utiliza imágenes anatómicas, los estudiantes trabajan para adquirir un movimiento fluido y atención interior, pero con fuerza. Se centró en las imágenes de la estructura del cuerpo, principalmente las imágenes de la columna vertebral, especialmente la zona lumbar, y el músculo psoas. Cuando el cuerpo se mueve, los músculos siguen la dirección de los huesos, al orientar la mente hacia la estructura esquelética, el cuerpo se mueve libremente. A través de este movimiento los estudiantes practican unificar sus capacidades de detección y el pensamiento.
El cuerpo necesita la libertad y desea la apertura, en su búsqueda, los estudiantes aprenden a encontrar espacios en sus cuerpos para organizar el movimiento alrededor del eje central, una línea de apoyo que cae a través del centro de gravedad del cuerpo.*


*http://www.dynamicanatomy.org/

Julieta Arau

¿...IMPROVISAMOS?

Retomando el tema de la improvisación, me parece que es muy importante abordarla desde un punto de vista mucho más convencional, siendo que la improvisación parte de elementos muy básicos que pueden encontrase en la simple búsqueda de un motivo que dote de valor y significación nuestra existencia.

Se improvisa a través del lenguaje que nuestro propio cuerpo posee, a través de las experiencias y de los canales sensomotores que en la cotidianeidad y en la búsqueda consciente se han abierto. Improvisamos consignas, instrucciones, imágenes, sonidos, vivencias, colores, colores, sabores…

En las Artes Escénicas, se improvisa para aumentar el lenguaje corporal, para complementar lo existente, para realizar la combinación perfecta entre origen, cuerpo, mente, imagen y movimiento. Improvisamos para encontrar lo perdido, generar lo que no tenemos, avanzar en lo que no avanza y para llenar de sensaciones nuevas todo aquello que no sentimos… improvisamos para transfigurarnos…

Efectivamente, la improvisación no es del todo improvisada, dentro de la improvisación encontramos elementos comunes que en lo heterogéneo se homogenizan, líneas y tendencias claras que igualan lo que surge en el instante y de manera natural, de manera orgánica y que a veces pareciera carente de significado pero que podría semejarse con un chispazo de vida, con el momento justo de fecundidad de movimiento, con el génesis de algún algo que continúe con el delicioso viaje que transita entre el encuentro y la búsqueda de magia.

ATENAS ARROYO ALDANA

UN POCO DE HUMPHREY...

¿En que consiste la Técnica Humphrey?

Este sistema desarrolla el sentido de unión entre el cuerpo y espíritu. Se hace uso de la gravedad como una fuerza, pareciendo así que el cuerpo trasciende las leyes de gravedad.

Se trabaja intensamente la respiración. El principio fundamental es el ‘arco entre dos muertes’ llamado así por Doris Humphrey, nombrándose así la trayectoria del movimiento entre los momentos de suspensión y el que el cuerpo cae a la tierra.

“ Deseo que mi Danza refleje algunas de mis experiencias personales en relación al mundo externo, que sea basada sobre la realidad iluminada por la imaginación, que sea orgánica mas que sintética, que despierte una reacción evidente de mi publico y que contribuya al drama de la Vida ” Doris Humphrey

La Conexión de Doris con la Filosofía de Nietzsche y el origen de la poética –dramática de los fundamentos de la Técnica Humphrey: Fall –Recovery (caída y Recuperación), motivación extrema de dualismos: Equilibrio-Desequilibrio; Muerte Estática/Muerte Dinámica, que viajan de la pura metáfora Excitación-Reposo; Peligro-Paz; conectados a la dicotomía de Nietzsche entre lo Dionisiaco y lo Apolíneo, al análisis de la mecánica del cuerpo.

¿Que drama podría ser mayor que aquel de caer? Caer de la seguridad del equilibrio perfecto, caer de un estado de gracia, caer enamorado.En el caer de la simetría apolínea, el Hombre experimenta la ebriedad del abandono, prueba el placer de la “Zona de peligro” donde el éxtasis dionisiaco se acerca a la muerte.Estar de pie como experiencia fundamental de la Danza podría parecer inmovilidad, pero esta inmovilidad tiene un potencial de movimiento ilimitado.

“El bailarín moderno debe establecer una relación humanacon la gravedad y la Realidad “ Doris Humphrey

Doris Humphrey está cercana a la filosofía de Isadora Duncan porque explora los instintos naturales del cuerpo en relación con la fuerza de gravedad.

http://www.luciernaga-clap.com.ar

SUSANA GALINDO AGUILAR

Mi cuerpo

A medida de que vamos entrenando a nuestro cuerpo, podemos darnos un tiempo para pensar y poder decir que cuerpo no es solo aquello que tiene masa muscular, huesos, tendones, músculos, sino que también existen otro tipo de cuerpos como el cuerpo mental y el cuerpo emocional con los cuales debemos buscar un equilibrio casi perfecto para lograr hacer maravillas en el escenario.
Estos tres cuerpos deben llegar a ser inseparables, pues no importa el orden con el cual los trabajemos, el punto es que sepamos llevarlos a una homogenización perfecta para lograr algo q también es de suma importancia como lo es la dramaturgia del bailarín.
Es por todo esto que los entrenamientos de “morphoazul” están basados en el mundo de la improvisación, pues estos ayudan que el bailarín tenga una fuerte conciencia corporal-mental de su cuerpo, es decir conocerlo a la perfección para dar los diferentes matiz q el coreógrafo o que su improvisación requiera.

Elizabeth Castro.

La Improvisación no es "improvisada"

Para Morpho-Azul la improvisación es parte fundamental del trabajo relacionado a la interpretación, ejecución, desenvolvimiento escénico, es sinónimo de una búsqueda inagotable que nos permite desarrollar, emplear, ampliar y transformar el lenguaje sabido en un discurso coherente que da cuerpo y nutre a la composición coreográfica.
Por esta razón no puede ser un factor “improvisado”, es verdad que guarda en su esencia lo espontáneo, natural, intuitivo, pero no puede quedarse sólo con eso, necesita una preparación que la fundamente, le dé sentido y la dirija a un punto específico; para lograrlo hacemos uso de exploraciones que ocupen:
• Elementos; como la técnica, impulsos, respiración, secuencias de movimiento conocidos, que a partir de ahí nos permita acrecentar, renovar o simplemente perfeccionarlos.
• Consignas, construcción a partir de una instrucción concreta.
• Entrenamiento, físico y sensorial que nos permita lograr o desarrollar lo que imaginamos.
Desde mi punto de vista estos son los aspectos que propician una improvisación generosa en lenguaje, significación y resultado.
Lidia López

MOTIVACIÒN.

La motivaciòn es un conjunto de elementos o factores que estan activamente presentes en un momento dado en la conciencia del ser humano y que configuran la fuerza psìquica y los mecanismos de estimulos que conducen a la acciòn.

Se trata de factores internos como, necesidad, instinto, aspiraciones o externos como valor de un objeto o de un logro. que intervienen en la elaboraciòn de una intenciòn, dando motivo, razòn adecuada, estìmulo suficiente y energia necesaria para inducir a una acciòn deliberada y voluntaria, encaminada a satisfacer alguna necesidad individual o social.

www.wikipedia.com

Es por ello que morpho azul como principio de exploraciòn e investigacion para el montaje de Mujeres de luna. al filo del agua, tambien serviran de apoyo las motivaciones ya que orientan las actividades en un sentido dado, establecen la intensidad de las mismas y determinan la selecciòn de alternativas en la elaboraciòn de una intenciòn.

Nayeli Rodriguez S.

Transfiguración...

La transfiguración es un transformación de algo e implica un cambio de forma de modo tal que revela su verdadera naturaleza*.
Y con esto, es con lo que Morpho Azul empezara un largo trabajo de exploración e investigación personal, así como, la interiorización en cuanto al trabajo de “mujeres de luna: al filo del agua”, proyecto que como ya se menciono en publicaciones anteriores, es el resultado final para presentar nuestro examen profesional, también habrá retos como el hacernos preguntas para poder profundizar, tan fuertes como el enfrentarse a uno mismo y de ahí, la transfiguración y así demostrar la verdadera naturaleza de cada integrante del grupo.

*Wikipedia

Julieta Arau

OBSERVACIÓN

La capacidad de observación es una cualidad que se va adquiriendo a través de los años, la experiencia y el ejercicio consciente de hacerlo, es decir, es una capacidad que se desarrolla con la constancia y la continuidad, con la vigencia y con todo un entendimiento de lo que significa observar y para qué hacerlo. Pasos claros que llevan al objetivo.

Observar implica muchas cosas, observar significa tener abiertos los sentidos y al servicio del acto, poner empeño en ir mas allá de lo superficial, indagar, investigar y saber diferenciar de entre todos los elementos que componen un total para acceder al o a los que verdaderamente sostienen y dan valor a lo que se está tratando. Observar es analizar, hacerse preguntas, responderse a uno mismo, leer entre líneas.

Para las Artes Escénicas, la observación se vuelve indispensable desde el primer momento, desde el primer contacto que se tiene con éstas, es a través de la observación que se adquiere el conocimiento y que se toman decisiones responsables acerca de las propuestas de trabajo, aquello que verdaderamente sirve para entrenar el cuerpo y la mente. En el caso de la Danza, observar permite analizar los principios básicos de movimiento, para aprehenderlos y posteriormente desarrollarlos con toda una idea dinámica y rica en posibilidades a explotar, al experimentarlos en el propio cuerpo y al verlos reflejados en los cuerpos de los compañeros de trabajo o al encontrar la ausencia de ellos.

La observación se refleja directamente en la capacidad de atender, escuchar, vivenciar y asimilar los conceptos, en la forma de abordar instrucciones para realizar las actividades que implican movimiento. A su vez, la observación es un punto importante de partida para desarrollar una ideología y filosofía de la vida y de la Danza.

ATENAS ARROYO ALDANA

Preparando la expresion concreta.

El dialogar con uno mismo, pareciera algo muy comun en la vida del ser humano, sin embargo no siempre estamos concientes de ella, ni de mantenerla; en el caso del bailarin deja de ser una necesidad que a su vez se convierte en una fuerte herramineta de trabajo constante para asumir y enfrentar el proceso expresivo de una manera mas contundente, clara pero sobre todo mas personal, escencial y vivencial.

Por el momento hacer referencia a la expresion gestual, sirve para ejemplificar una parte indispensable en la expresion corporal que el bailarin maneja, y al que me parece indispensable hacer enfasis, no solo al tenerlo presente, sino tambien incorporando elementos tecnicos "extras"al entrenamiento que el bailarin maneja cotidianamente, acercarse e incluirlo con mayor frecuencia a el.

Sin duda su expresion puede crecer y tomar fuerza si se acerca a conocer su rostro como lo hizo con su cuerpo en algun momento, hasta encontrar una familiaridad y posteriormente una conciencia de las posibilidades de su anatomia facial.

El ampliar sus posibilidades de expresion facial enriquece su proceso escenico, lo hace mas interesante, otorga una seguridad que ofrece un control, que permite abrir una expresion gestual a los impulsos creadores, el lograr un rostro relajado, posteriormente expresivo, sensitivo y sobre todo organico.

Mariana Papaqui Briones.

PAUSA ACTIVA

En las más recientes sesiones de entrenamiento hemos agregado a la exploración acostumbrada, una consigna que se trata de detener el movimiento súbitamente pero sin "abandonar" la energía que de él emana.

En cuanto escuché la explicación de la consigna me dí cuenta que se ajustaba de manera perfecta a lo que yo conocía como PAUSA ACTIVA.

La PAUSA ACTIVA es un concepto propuesto y utilizado por Ann Hutchinson en su propia notación de movimiento y a continuación se intentará explicar:

Cuando no hay movimiento decimos que hay una ausencia de la acción o del movimiento, es decir, una pausa que puede tener varias características (...) Se llama pausa activa aquella en la que el movimiento no se detiene sin dejar huella, no se muere, y de él puede emerger un movimiento nuevo. Una pausa debe producir tanto placer como el movimiento mismo: constituye una experiencia positiva, por eso atrapa la atención del espectador. En la pausa activa puede haber quietud, nunca vacío. El movimiento se detiene pero la energía continúa en movimiento y se escapa del cuerpo impulsándolo a proseguir.

La pausa activa no es un alto definitivo, sólo un momento de espera, de reflexión, de escucha:un espacio transitorio. La pausa activa contiene al mismo tiempo significado y expresión(...)

Alejandra Ferreiro y Josefina Lavalle

Investigadoras del CENIDI-Danza José Limón

Susana Galindo Aguilar

Imagen

El proyecto Morpho-Azul, como ya se mencionó, consiste en generar en las integrantes una “visión profesional de la danza”, a partir de distintos aspectos como: entrenamiento, gestión, documentación, docencia, organización, creación de imagen, difusión y puestas en escena.
En esta ocasión hablaré de la creación de imagen: para llegar a ella las integrantes del grupo realizaron una serie de ejercicios de diseño, cada una de ellas siguió un procedimiento distinto, algunas hicieron una búsqueda de imágenes en diversas fuentes: libros, revistas, internet, recolectando las que fueran más significativas en relación al concepto del grupo, otras decidieron capturar las imágenes por medio de fotografías, y algunas utilizaron archivos fotográficos con los que ya contaba el grupo. Pero todas desde un inicio tenían una finalidad: englobar los conceptos que definen a Morpho-Azul.
Desde mi punto de vista son:
 Mariposa
 Color azul
 Cuerpo humano, en este caso los pies, que son representativos de la danza contemporánea.
En mi trabajo personal, yo las involucré a través de la captura de una fotografía y después de un largo proceso de edición, en el que se buscaba que el grupo se identificara con la imagen y que ésta provocara una significación en los integrantes, se decidió por la siguiente:

Lidia López

Montaje

Un montaje, no es cosa fácil pues hay que tomar en cuenta q para la realización de este deberá basarse en la forma de entrenamiento y técnicas con la que los bailarines son entrenados, pues esto aparte de ser una forma adecuada para trabajar, también ayuda que en el proceso del montaje, los movimientos es decir el lenguaje corporal sea ya conocido para facilitar los diseños, dando nuevas variantes a los movimientos en ejecución según sea la idea del coreógrafo.
Después de tener claros los objetivos de la coreografía se buscaran los elementos de dificultad, combinaciones, ritmos o tiempos, hasta la realización plena de la secuencia del movimiento.

“Un montaje incluye el establecimiento de las relaciones adecuadas entre movimientos y los demás ingredientes visuales rítmicos y auditivos.”

En este proceso el único responsable de un montaje es el coreógrafo pues debe tener ya una visualización de lo que va a ocurrir en el escenario y concentrado en las diferentes cualidades de cada bailarín a si como no dejar la idea preliminar de la coreografía.

bibliografia: "`cómo acercarse a la danza" de Alberto Dallal

Elizabeth Castro.

La comunicación es importante...

Como toda familia siempre es necesario la comunicación, el trabajo en equipo y la organización en donde cada uno de los integrantes debe asumir la responsabilidad y hacerse cargo de ella, sin esperar a que alguien mas realice su trabajo.

Es por ello que en morpho azul se esta consolidando como una familia por la convivencia diaria, en donde cada una de las integrantes debe asumir su responsabilidad de trabajo a realizar, lo que ayudara a que el grupo se consolide cada vez mas. Y siempre es importante la comunicación por parte de las integrantes para futuras organizaciónes de funciones y/o eventos a realizar.


Nayeli Rodríguez S.

sistema óseo

Algo con lo que morpho azul ha venido trabajando es con el sistema óseo para lo cual, necesitamos una imagen y cada quien se dio a la tarea de buscar una imagen de éste, para poder apoyar el trabajo que se nos venía presentando, incluyendo las articulaciones basándose en la técnica topf-release, aquí una pequeña explicación de ella.
En términos generales podríamos decir que release es un término bajo el cual se reconoce una aproximación al movimiento que actualmente tiene una fuerte presencia en el lenguaje dancístico y coreográfico de la danza escénica. Se genera y desarrolla en el contexto de la danza posmoderna o nueva danza que surgió en en los años 70´s en Estados Unidos. En aquellos años las técnicas de release se referían a un método de entrenamiento basado en la ideokinesis que integra mente y cuerpo anatómico, experimenta con distintos métodos de improvisación a partir de principios de meditación e incorpora elementos de la psicología del desarrollo.

De sus principios surge una forma de moverse que puede definirse como fluída y relajada. (La relajación se entiende como algo rígido que se convierte en algo suave, y se agrega el concepto de expansión)2. Esta fluidez no sólo se refiere a una fluídez física, sino también mental y emocional

El ejecutante se mueve con todo su ser, integrando emociones, pensamientos en el movimiento
Los bailarines y coreógrafos Marsha Paludan, John Rolland, Nancy Topf y Mary Fullkerson, entre otros, se empaparon de los conceptos de Skinner, y de Clark. Ellos fueron pioneros del release conformaron y desarrollaron los principios del movimiento de danza posmoderna o nueva danza concretándolos en propuestas pedagógicas, artísticas y documentos que han conformado la base para el aprendizaje de las técnicas.
http://www.danzaballet.com/modules.php?name=News&file=article&sid=1087

Julieta Arau

VÍNCULOS

En efecto, la vinculación es indispensable, el ser humano por naturaleza crea vínculos estrechos a lo largo de su vida, relaciones que le forman como ser y como persona. Crea y genera vínculos afectivos, sociales, culturales, físicos y biológicos que le permiten hacerse de una personalidad que le define y le da un lugar en determinada sociedad o grupo.

El ser humano es un ser social, es decir, nace y se desarrolla bajo la concepción y las reglas que rige a cierto grupo de personas, que viven, conviven y poseen roles específicos y actividades que desarrollan de manera consciente; pero, ¿qué tiene que ver todo lo anterior con danza o con la vinculación que busca Morpho Azul? en realidad existe una importante relación puesto que la necesidad humana de hacer vínculos de todo tipo lleva inevitablemente a crearlos también con el arte, con esta forma que tenemos algunos para manifestar ideas y para hacernos presentes en la sociedad.

El vínculo que puede darse entre sociedad-arte-artista, debe ser recíproco y complementario, es decir, la relación se mantiene y se da a partir de la integración de todos los elementos para que sea posible la propuesta artística. Esto es, necesariamente debe existir un público al cual presentar el trabajo escénico para que el mismo cumpla con su labor de dar y comunicar, expresar y materializar el acto creativo y a su vez, el quehacer del público se resume a interpretar y aprehender lo que sus sentidos captan y desarrollan como lenguaje que permite la relación perceptiva para finalmente crear el vínculo que complementa las razón de ser del arte.

ATENAS ARROYO ALDANA

Una Vinculación Indispensable para Morpho Azul.

El Ser Humano se manifiesta en gran parte a traves de las actividades que realiza durante su profesion.Por lo que sus valores se ven reflejados en su actividad profesional, con el fin de otorgar un bien comun a la sociedad.

Las manifestaciones artisticas estan estrechamente ligadas a la sociedad,de alguna forma son reflejos actuales" de acontecimientos importantes que vive un individuo, en determinada epoca y circunstancia social.

Para el grupo Morpho Azul ha sido importante propiciar la divulgacion de la Danza Contemporanea, abrir un camino y un panorama mas amplio en cuanto al publico, permitir un continuo vinculo de comunicacion libre y accesible del espectador hacia la danza que le ayude a conocerla y valorarla ampliamente.

Un hecho impotante para el grupo Morpho Azul es sumarse a la actividad dancistica en Puebla; pues mantenerla no solo depende de las instituciones, sino tambien de los creadores e interpretes, claro muchas veces con apoyo de estas pero por iniciativa propia , la necesidad de dar, ofrecer, compartir, reflejar comunicar con el lenguaje dancistico, tomando en cuenta las caracteristicas de la sociedad actual de la que formamos parte.

Mariana Papaqui

..percepción..

Todo bailarín debe tener de alguna manera muy clara la palabra "percepción" ya que es la forma en que los humanos percibimos a través de nuestros sentidos donde estos juegan un papel muy importante en el mundo de la danza.

Cuando un bailarín se encuentra en el escenario lo primero q debe buscar es una conexión con el espacio, el ambiente es decir con todo aquello q involucré el lugar en dónde se encuentra, es como adueñarnos de ese espacio pero sin olvidar que hay limites como en todo lugar.

Una actividad que realizo el grupo "MORPHO AZUL" para tener mas claro este concepto fue el ven darnos los ojos, de esta forma el cuerpo estaba obligado a mantener alerta los cuatro sentidos restantes, los cuales muchas veces los olvidamos. A medida de que el ejercicio avanzaba iban surgiendo cosas muy interesantes, desde el temor de trasladarse por el espacio sin un sentido muy importante como lo es la vista, hasta mareos y sentimiento de pérdida pero al final dio un resultado muy rico en cuanto a experiencias ya que logramos percibir a nuestros compañeros incluso a a saber de quien se trataba y lo mas importante se logro una confianza en el grupo.

Elizabeth Castro.

Laboratorio

Para la realización del proyecto en el ámbito escénico de “Morpho-Azul”, se construye un laboratorio que abarca:
• Exploraciones, para la búsqueda y recolección de sensaciones, impulsos, energía, respiración adecuada o simplemente práctica; todo esto siempre bajo los términos del movimiento corporal articulatorio-acuoso, que generen fraseos fluidos.
• Documentación, que incluyen textos, audio y audiovisuales. Este apartado, al igual que los otros es de gran importancia, pero tiene un propósito significativo en el cimiento de la interpretación: “generar imágenes”.
• Trabajo personal, que admite la repetición creadora, es decir, la que permite ubicarse en el ámbito de la creación y concebir significado. También implica, pero en menor grado, la repetición mecánica, con el único fin de trabajar con un desarrollo físico.
Sumado a esto:
• Entrenamiento, está dividido en dos partes el grupal y el individual. El primero es donde se realiza el calentamiento, trabajo con los principios de la técnica e improvisaciones; y el segundo involucra, en el inicio de la clase, un saludo personal que nos prepara para la actividad integral (físico, mental y sensorial), además de una investigación personal y profunda sobre las dudas generadas en clase, ejercitar la memoria corporal (de ser necesario), atender detalles de todo lo anterior.
• En la parte física siempre se está pendiente de lo articulatorio dándole matices con el concepto de lo acuoso.
• Interpretación, el desarrollo en las integrantes en cuanto a este apartado está sustentado en las improvisaciones, exploraciones y documentación antes mencionada, es aquí donde se ocupó de textos específicamente “La dramaturgia del bailarín” de Patricia Cardona.

Lidia López

Retomando un poco la dramaturgia de bailarín...

Este libro nos ayuda a adentrarnos a lo que es la dramaturgia del bailarín y darle la importancia necesaria, ya que menciona que la percepción del público es mejor si sabemos trabajarla, ayudándole a construir una imagen con las acciones o movimientos, porque no es lo mismo impresionar, que expresar.
También nos habla de cómo sacar el instinto animal que todos llevamos dentro, porque cambia la energía y la forma de trabajar, así como los cuatro imperativos del comportamiento (agresividad, sexualidad, territorialidad e inquisitividad) que es algo que en lo personal me llamo mucho la atención, ya que, se relaciona el uno con el otro y el balance de estos ayuda a la relación del bailarín con el espectador.
Es un texto muy fácil de digerir, los términos que utiliza la autora Patricia Cardona son entendibles y comprensibles.

Julieta Arau

...INICIOS...

Recordar inicios implica no sólo hacer el ejercicio de regresar en el tiempo y visualizar lo vivido, requiere de una retrospección y una inmersión consciente en nuestro ser para revivir la experiencia, implica de un verdadero recuento de pasajes e historias que se relacionan y que nutren ese suceso que ocurrió y se registró en la memoria de la mete y el cuerpo. Recordar inicios es reanudar el pasado.

Y ¿por qué hablo de los inicios? En primer lugar porque lo escrito por Elizabeth Castro sobre la experiencia de bailar cierta coreografía me introdujo en el recuerdo de la obra misma pero también en los inicios de mi estadía en la danza y de la vida en general. Lo siguiente se debe a que el recordar inicios permite hacer un examen de conciencia acerca de cómo se vive, se practica y se genera el movimiento para bailar.

Recordar inicios es una forma de corregir situaciones concretas, de evidenciar los errores o los aciertos y de analizar lo que ocurrió en el pasado para modificar el presente. Los inicios son la base de todo aquello que somos y manejamos a partir de conocimiento y vivencias, es decir, no podría existir nada si no hubiera iniciado de alguna manera.
Para una persona que baila, el inicio es muy importante, ya que el cuerpo registra todo y la información va quedando asentada, la forma de bailar depende en buena parte de lo que se aprendió al principio y las habilidades se desarrollan a partir de estas bases.

Por tanto, la importancia de adquirir principios básicos de movimiento bien fundamentados radica en el aprovechamiento de la técnica para ejecutar e interpretar en Danza, para que el recordar no solo sea regresar en el tiempo sino una herramienta que sirva de punto de partida para abrir posibilidades, potencializar y hacer de eso básico el inicio de lo complejo.

ATENAS ARROYO ALDANA

Recordando inicios...

Siempre es bueno en algún momento de nuestra vida detenernos y recordar momentos significativos, hoy yo me detengo para recordar el primer paso que dio "MORPHO AZUL" recordando el primer montaje tomado de un remontaje, pero eso no quiere decir que es menos importante pues aun seguimos disfrutando de esta coreografía en escena q lleva por nombre:

"Por que para volar mis brazos pueden ser tuyos”
La coreografía tiene una duración de 11min. Es un remontaje el lenguaje utilizado se basa en suspensión, alarga miento, caída- recuperación, requiere de una energía constante pues aunque empieza con movimientos sutiles pero llenos de vida y a medida de que avanza la coreografía requiere de una energía con mucho mas fuerza eso hace que vaya creciendo continuamente hasta llegar al máximo de las posibilidades corpóreas.

El tema de la coreografía es sobre la ayuda que todo ser humano requiere para emprender el vuelo en las peores etapas de nuestra vida, y porque no también en los momentos victoriosos.

Coreografía: "Por que para volar mis brazos pueden ser tuyos"
Coreógrafo: Francisco Carrera

Interpretes: Julieta Arau, Atenas Arroyo, Elizabeth Castro, Susana Galindo, Mariana Papaqui, Nalleli Rodríguez, Lidia López.

Elizabeth Castro.

UNIVERSOS EN UNA COMPAÑÍA

Continuando con lo aportado por mi compañera Nayeli Rodríguez, puedo decir que las compañías profesionales de Danza, en general, cuentan con dos universos distintos:

OPERATIVO. Que tiene que ver con cosas cómo elegir el nombre, los integrantes, construir un plan de trabajo, armar carpetas de trabajo, etc. En general toda la información técnica del grupo.


ARTISTICO. Se encarga de la definición de la propuesta artística, del discurso estético, marcos referenciales, entrenamiento, creación de obras, etc.

Como lo mencioné anteriormente, esta clasificación es genral, por supuesto creo que algunas compañías deberán contar con otras "categorías", pero esta ayuda a englobar, creo yo, los componentes que en Morpho azul creemos que debe tener una compañía.

Susana Galindo Aguilar

La técnica Humphrey-Limón es importante en nuestro proceso de formación porque a partir de los principios de ésta y fusionada con conceptos que nuestro director Francisco Carrera aporta, se desarrolla el estilo de movimiento, creación y expresión de Morpho-Azul.
A continuación, un cuadro tomado de www.adriaankans.com, que desde mi punto de vista engloba los principales conceptos de la técnica Humphrey-Limón, aunque la relación entre cada uno no está especificada, y puede originar dudas, que en este momento pudiera resolver a medias, pero que a través de la experimentación personal puedo ir respondiendo.

Lidia López

El Universo

Para mí la palabra significa conjunción de varios planetas, estrellas y galaxias los cuales dichos elementos tienen existencia, tiempo, espacio, materia y energía.

Partiendo de esta idea determino que al igual que un universo una compañía de danza se conforma de varios elementos para llegar a un objetivo en común, la realización de un montaje, para ello se necesita tener la gente con la cual se llevará a cabo dicho trabajo y cada elemento deberá saber cuál será el suyo. Así como el tiempo disponible.

La materia la defino como toda la utilería a ocupar para el montaje ya sea objetos, vestuario, luces, sonido. Los cuales cada uno tienen diferente función pero son de gran importancia para el montaje y que cada uno de estos elementos a ocupar habrá gente encargada de ellos.

Es decir los bailarines son los que estarán en la puesta en escena y los cuales deberán trasmitir al público el mensaje del montaje a través de su cuerpo, además de que también deben de saber controlar la energía y espacio en el escenario.

El coreógrafo es la persona encargada de poner las coreografías a bailar e interpretar

Director general: Es quien decide y dirige todo sobre el montaje.

Además hay más áreas de las cuales están encargadas varias personas.

Encargado de Audio

Encargado de Escenografía y utilería

Encargado de Luces

Encargado de Vestuario y Maquillaje

Encargado de Publicidad

Publicado por: Nayeli Rodriguez S.

Entrenamiento

La estructura de nuestro entrenamiento diario.
Saludo personal Preparación senso-perceptiva
“La capacidad sensorio-perceptiva pertenece a todos los seres humanos. Es la capacidad de conectarse, de internalizar e interaccionar con el mundo externo, el propio cuerpo y el cuerpo de los demás. Suele ser la Sensopercepción de mucho interés para quien está en el campo de la música, pintura, teatro y en especial la danza y el movimiento, así como para educadores, profesionales y toda persona que desea realizar un camino de autodescubrimiento que le permita hacer florecer sus capacidades”. www.capitannemo.com
Trabajo de piso Calentar -Centro
-Respiración
Acondicionando -Trabajo de torso
-Caída- recuperación
-Alargamiento- trab. De oposición
-Dinámica
-Preparar articulaciones
Aquí trabajamos lo que es una clase de calentamiento en donde utilizamos todos los aspectos mencionados anteriormente para poder tener el cuerpo preparado y continuar con un trabajo más fuerte.
Saludo al sol.
El saludo al sol nos sirve aun de calentamiento aunque conlleva movimientos más fuertes para los que el cuerpo debe estar previamente preparado para no lastimarlo.
1ra, 2da y 3ra Exploración.
En estas exploraciones nuestro cuerpo se mantiene caliente y trabajamos para seguir calentándolo, todo esto bajo un principio de entrenamiento: “mientras caliento exploro, mientras exploro improviso., mientras improviso entreno”

Julieta Arau

EL CUERPO QUE DANZA

En varias publicaciones se ha hablado de diferentes aspectos que requiere un bailarín para hacer de su oficio un arte, se ha mencionado acerca de la técnica para crear un lenguaje corporal, de exploración, dramaturgia, de la importancia de dar funciones, conceptos, de la respiración, entre muchas cosas más, que sirven para la educación y la formación integral de quien se dedica a la Danza.

Hoy hablaré de aquello que hace que la Danza sea. Del vehículo que mueve al bailarín en el sentido literal de la palabra, de aquello que finalmente se ve en escena: el cuerpo. El cuerpo que es receptor de toda la información que se adquiere en el día a día, que es el reflejo de lo aprehendido y de lo vivido, no sólo para la Danza sino para el diario vivir de cualquier persona, pero si de Danza se trata, el cuerpo habla y comunica, da vida a personajes, situaciones, formas, trazos, figuras, ideas, sentimientos… movimiento.

La Danza necesita de un cuerpo bien entrenado, un cuerpo maleable y que tenga la capacidad de amoldarse y modificar cuantas veces sea necesario, para cumplir con lo que requiere el coreógrafo, la coreografía y la obra. El cuerpo de un bailarín debe ser fuerte, dúctil, ágil, ligero, dinámico, flexible, articulado y muy, muy abierto y receptivo a la información teórico-conceptual y corpórea, es decir, la técnica o estilo de entrenamiento que incluye el acondicionamiento físico.

Es a través del acondicionamiento físico que se llega al máximo de las posibilidades de la búsqueda creativa que tiene un bailarín en su quehacer, es la fisicalidad la que conduce todo lo que se quiere comunicar y expresar, es el cuerpo el que sostiene el discurso estético y de la ejecución.

Para finalizar, imprescindible es saber que un cuerpo desentrenado jamás podrá ser el medio de la representación armónica, estética y expresiva.

ATENAS ARROYO ALDANA

LA IMPORTANCIA DE LA DRAMATURGIA EN ESCENA

La dramaturgia comienza a partir de intenciones motivos y razones claras que dan acciones escénicas muy contundentes en una estructura de composición muy compleja.
Podría decir que es como el alma de una obra, pues le da el sentido al discurso que la conduce de principio a fin a través de sus intérpretes.
La dramaturgia es también una manera de acerar al bailarín de una forma mas natural y humana desde su percepción, exploración de emociones y sensaciones con la exaltación de todos sus sentidos para mantener el cuerpo “vivo”, pues manejar una dramaturgia en escena requiere de una perfecta conexión energética intelectual corporal y emocional para equilibrar la intensidad con la que se proyecta.
Todo esto requiere de una búsqueda introspectiva muy constante en el para enriquecer la expresión corporal y desarrollar habilidades creativas, tanto físicas, como emocionales, imaginarias y sensibles. Dando una esencia y particularidad al interprete.
Entonces el bailarín encuentra sus propios retos y desafíos pues nadie puede conocerlo mejor que el mismo; exponer su interior es parte de su oficio y proceso de madurez como artista escénico. Lo conduce a la eterna búsqueda interna de una investigación única y personal para compartirla en escena.

Mariana Papaqui Briones

EXPLORÁNDONOS

La exploración es un concepto que morpho azul pone en práctica en todo momento. De hecho la propuesta de movimiento que tenemos se basa en gran parte en la exploración corporal, en cómo y cuánto conocemos realmente nuestro cuerpo, sus límites y alcances.

La exploración está íntimamente ligada con la investigación y la improvisación, pues al explorar estamos investigando las posibilidades corpóreas propias y hacer ésto no conduce, quizá involuntariamente a una improvisación auténtica.

Seguimos en el camino de la exploración, nadie, ni siquiera nosotros, imaginamos hasta dónde puede llegar el cuerpo si está bien manejado y conducido. Muchas veces el freno lo ponemos nosotros mismos y no nos damos cuenta de que también nosotros podemos quitarlo.

Lo interesante de explorar es dejarse llevar, dejar que nuestra parte Dionisiaca explote, fluya sin freno, no detenernos a pensar en cómo llego, es ir sin programar el regreso, pero sin duda, regresar.

Regresar para registrar lo conseguido, para reflexionar el viaje y planear uno nuevo.

Y nunca dejar de retarnos, de pedir más, porque nunca va a ser suficiente, porque tal vez nunca conoceremos el límite de nuestro cuerpo, y si es así, habremos encontrado una razón más para vivir.

Susana Galindo Aguilar

video-danza!!!

Cuando escuchamos la palabra vídeo-danza, a muchos se nos viene a la mente una coreografía dentro de un vídeo... Pero realmente tu sabes que es "vídeo-danza"?

Empezare por decir que es una forma más de expresar movimientos, sensaciones, historias, etc., en pocas palabras "arte con ayuda de tecnología", que gracias a esta tecnología se logran trabajos magníficos que poco a poco van ganando un amplio terreno en el mundo artístico, es importante mencionar que para la realización de una vídeo danza no solo basta el trabajo del coreógrafo sino también están involucrados el director de escena y el editor que son de suma importancia.

Las vídeo-danzas son una forma mas factible de difundir el arte dancístico ya que no requiere de grandes escenarios, esto ayuda a poder proyectar las en lugares que no cuentan con un acceso a este tipo de trabajos, así como también, ayuda a observar la danza desde un punto de vista más interno, aveces más fantasioso y otras más con hechos reales q nos suceden en la vida cotidiana.

"La pantalla como espacio coreográfico es un lugar de exploración de la danza como sujeto, objeto y metáfora.
Un lugar de encuentro para ideas de tiempo, espacio y movimiento.
Videodanza es la construcción de una coreografía que solo vive cuando está encarnada en un vídeo, film o tecnologías digitales.
Ni la danza ni los medios para manifestarla están al servicio uno de otro, sino que son compañeros o colaboradores en la creación de una forma híbrida."

Douglas Rosenberg

Elizabeth Castro

GENERANDO IMÁGENES

Siempre es un procedimiento arduo el generar imágenes, que a su vez propicien una serie de movimientos, que conformen una coreografía y más complicado aún que ésta (una vez terminada) repercuta al espectador de la forma en que el coreógrafo y bailarín esperan.
Por ahora, sólo se tocará el punto de “generar imágenes”. Para la creación coreográfica es de vital importancia la IMAGINACIÓN, y como bailarines trabajar con ésta nos facilita la expresión corporal, brinda matices en los movimientos y le da sentido a nuestra realidad escénica; además de que podemos considerarla como la semilla de la inventiva. Por tanto, es necesario buscar los métodos para nutrirla.
Uno de los más funcionales es a través de la lectura, que nos precisa la transformación de palabras a imágenes. La redacción, que es un proceso similar sólo que de manera inversa.
La razón de escribir un poco sobre la imaginación es porque, como se ha comentado en repetidas ocasiones, nos encontramos en el proceso de montaje de: “Mujeres de luna: al filo del agua”.
Y nuestro coreógrafo nos ha pedido fomentarla a través de los dos métodos antes mencionados: la lectura y la redacción. Primeramente quisiera compartirles algo que escribí:

Mi significación a ¿qué es una mujer de luna?
Pienso que el nombre es redundante ya que son palabras que envuelven la misma energía: Femenina, creadora, sensible, enérgica y admirable.
Mujer de luna es el símbolo total de la feminidad, vulnerable más no indefensa, cíclica como la luna, abundante, a veces pasiva a veces impulsiva, cambiante pero estable, firme y con sobrada fuerza para crear, dar vida (no sólo humana), transforma el lugar donde está; no sé si para bien o para mal porque es muy relativo, pero definitivamente transforma o por lo menos le da un tinte distinto al espacio y/o a la situación donde se encuentre.
¿Qué si me siento como una mujer de luna? Definitivamente sí, y la definición antes dada es más bien un descripción propia. Descripción de una mujer de luna
Ahora un poema, que ha sido de los primeros materiales a leer:

La Luna
La luna se puede tomar a cucharadas
o como una cápsula cada dos horas.
Es buena como hipnótico y sedante
y también alivia
a los que se han intoxicado de filosofía.
Un pedazo de luna en el bolsillo
es mejor amuleto que la pata de conejo:
sirve para encontrar a quien se ama,
para ser rico sin que lo sepa nadie
y para alejar a los médicos y las clínicas.
Se puede dar de postre a los niños
cuando no se han dormido,
y unas gotas de luna en los ojos de los ancianos
ayudan a bien morir.
Pon una hoja tierna de la luna
debajo de tu almohada
y mirarás lo que quieras ver.
Lleva siempre un frasquito del aire de la luna
para cuando te ahogues,
y dale la llave de la luna
a los presos y a los desencantados.
Para los condenados a muerte
y para los condenados a vida
no hay mejor estimulante que la luna
en dosis precisas y controladas
Jaime Sabines

Lidia López Romero

Entrenamiento Personal.

Se ha iniciado el montaje de “Mujeres de Luna. Al filo del Agua”, con incertidumbre por no saber de los movimientos, la música, hasta el momento solo se han realizado exploraciones con relación a la luna, como la imaginamos, como la percibimos y como poder asimilar los movimientos a nuestro cuerpo.

Además de que cada una de las intérpretes, ahora tiene que enfrentarse a bailar un solo, para el cual todas manejamos el mismo lenguaje corporal, mas sin en cambio cada una debe buscar la manera de entrenarse más después de clase, con diferentes consignas algunas tienen que correr para tener mayor resistencia ir de menos a más, otras entrenarse por medio de la exploración y buscar siempre mas y nuevos movimientos siempre exigiendo mas. Esto es por qué todas tenemos cuerpos diferentes por lo tanto cada una necesita un entrenamiento particular.

¡Más…Más! Es una filosofía y una ética. Exigir, exigirse siempre, no quedar satisfecho. Buscar algo más, probar, sobreponerse al cansancio y a la repetición, anhelar la perfección. Prepararse para el enfrentamiento con el foro. Y a veces, encontrar algo. (Extraído del libro “Lo bailado nadie me lo quita” de Solange Lebourges).

Danza-Espacio.

La danza contemporánea es un tipo de expresión corporal que está basado en la técnica del ballet clásico, y que conlleva menor rigidez de movimientos. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI junto con pasos tradicionales de cualquier rama del ballet.
Esta danza es cien por ciento interpretativa, sus movimientos se sincronizan con la música tratando de comunicar un mensaje.
Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de fondo.
Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX, buscando una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Wikipedia.

En la danza siempre estamos expuestos a sufrir accidentes y a buscar soluciones porque no siempre tendremos los espacios ideales para realizar nuestro trabajo, desde corregir pequeñas cosas, hasta modificar algunos pasos para que la coreografía se vea bien en todos los aspectos, hoy nos toco estar en un espacio lleno de lodo y piedras lo cual no era lo idóneo pero tuvimos que solucionarlo y seguir adelante a pesar de las confusiones y algunas lastimaduras, como dicen la “función tiene que continuar” y aun así que el publico te reconozca tu trabajo con un aplauso siempre te llena de satisfacción haciendo a un lado los percances que puedan haber ocurrido en escena.

Julieta Arau

¿...CONCEPTO?

En alguna de las clases se nos dijo de manera general que tratáramos de regresar a los conceptos, entonces intenté pensar en ellos, en los conceptos, en el origen de los mismos, en su importancia y en el valor que tienen en la vida y en la danza. Mi mente de inmediato se colocó en los conceptos aprendidos hasta ahora, con esa claridad y cualidad de concepto y entendí que realmente es importante conceptualizar la danza, es importante entenderla como concepto para darle un toque único a la propuesta escénica, para abarcar un todo y darle significado a lo que se está haciendo.

Las petición fue muy clara: regresar a lo conceptos, pero, ¿qué es un concepto? Y ¿por qué conceptualizar? concepto es: Representación simbólica de una idea abstracta y general. Pensamiento expresado con palabras. (Diccionario Larousse, GARCÍA-PELAYO Y GROSS, Ramón. Barcelona, España 1994). Aquí, agrego que esa representación es, para la Danza, todo ese conjunto de símbolos e ideas que se materializan para el momento justo de la escena, momento en el que ocurre y es la Danza. También diría que es un pensamiento expresado no solo con palabras sino con imágenes y movimiento pero también con toda una carga expresiva y estética que lleva al bailarín no solo a bailar, sino interpretar y a conceptualizar lo que baila, a entenderlo de una manera mucho mas profunda y llena de significados, figuras y símbolos que el entendimiento encuentra para hacer una semejanza entre el concepto y la representación del mismo.

El concepto explica y resume experiencias, imágenes y razonamientos que almacenamos en nuestra mente de manera abstracta, asimismo, poseemos una gran cantidad de información, el concepto es el resultado de esa información, la explica y le da sentido. La unión de todos estos conceptos da peculiaridades a nuestra existencia.

Concepto, es, entonces, todo aquello que el pensamiento genera como idea o imagen y busca una manera de representarla en la realidad que puede ser tangible o no, como en el caso de la danza. Conceptualizamos para hacer realidad el imaginario del Coreógrafo, para llevar a cabo la tarea del bailarín que interpreta y no solo mecaniza el movimiento, pero, también, conceptualizamos para delimitar la obra de manera específica en tiempo y espacio, para describir una manera de pensar específica y para dotar a cada creación de características propias, es decir, para darle identidad.

ATENAS ARROYO ALDANA

DESAHOGÁNDOSE EN LO ACUOSO

El discurso estético que porpno Morpho Azul conciste en una búsqueda del movimiento con calidad articulatoria y acuosa.

Constantemente en los entrnamientos imaginamos que somos un contenedor de agua para darle más sentido a ésta búsqueda.Y después de un año, parece que empezamos a encontrar el sentido verdadero de éste discurso, personalmente creo que lo acuoso responde a la organicidad del movimiento humano, no sólo dancístico, porque no olvido que la danza tiene que ser resultado de lo humano, de lo cotidiano y no al revés.

Los movimientos de la vida diaria, son danza, son arte y todos están regidos por reflejos e instintos, por descargas eléctricas en el cerebro llamadas "pensamientos", todo ordenado orgánicamente.

La danza tiene la particularidad de poder hacer que los movimientos dejen de ser orgánocos para convertirse en mecánicos, eso es lo que le da matices de espectacularidad y rareza a este arte tan humano. Pero creo que nunca hay que olvidar los orígenes y siempre que sea posible regresar a ellos habrá que hacerlo, pues el movimiento orgánico es lo que nos lleva a todo lo demás. Sólo se levanta quien sabe caer, sólo admira la luz del sol quien ha estado ciego, y sólo saborea lo inorgánico quien disfrutó lo orgánico.

En este contexto es que afirmo que la búsqueda de lo acuoso en el movimiento ha venido a recordarme lo orgánico de éste, me ha permitido desahogarme de todo lo que tenía acumulado en el cuerpo, de todas las tensiones y esfuerzos extras e inecesarios.

Lo que le da vida a la danza es el cuerpo, y para que tenga una buena calidad de vida, éste, el cuerpo, debe estar en óptimas condiciones.

La danza no es, o no debiera ser sinónimo de masoquismo, de sacrificio o de dolor, por que en el momento que lo es deja de producir placer en el ejecutante y se reflejará al espectador.

La danza es placer, diversión, discilpina sí, pero voluntaria...

Y a mi, el discurso estético, el estilo de mivomiento que Morpho Azul busca y propone me lo recurdan a cada instante.

Susana Galindo Aguilar

Un mago en el espacio.

La energía está presente en el espacio y en el ser humano. Influye sobre las acciones y consecuencias que se den en el.
Para el bailarín está presente y se transforma en su cuerpo sin importar que tan estático pueda estar por un momento, la energía debe impulsar cada uno de sus movimientos de una forma orgánica, natural y a su vez extraordinaria al danzar. Lograr una energía escénica controlada y verdadera (no fingida) parece un gran reto tan solo de intuición; sin embargo existen investigaciones muy complejas acerca de ello, y por supuesto al hablar de energía es inevitable dejar de nombrar a Rudolf Laban pues sus principios físicos atienden necesidades directas en cuanto al movimiento “escénico”:
“En la Eukinética Laban hace un estudio profundo de las leyes de la gravedad, este estudio lo llevó a clasificar todas las gamas de la energía que hay entre un máximo de tensión y la total relajación”.(1)
Conjuntamente estudió las acciones humanas para llegar al gesto en forma sensible, significativa, ordenándolas en relación al tiempo, a la energía, al espacio, al flujo y a las reacciones síquicas del ser humano, considerando que “cada individuo se mueve en forma diferente y que la calidad del movimiento está determinada por razones sociológicas.”

Conocer la energía y saberla manejar para proyectarla adecuadamente puede cambiar la interpretación entera de un bailarín, hablando por supuesto de dinámicas de movimiento, proyección escénica, incluso en su rendimiento físico.
La clave está en un control y equilibrio adecuado de las tres energías (emocional, física e intelectual) .
Mantener un cuerpo capaz de responder a todos los impulsos y reflejos que la danza demanda en este perfecto equilibrio requiere de una preparación intima muy fuerte para lograr quizás instantes de ello.
Así como el bailarín requiere de una fortaleza física, también la requiere de forma mental, madurez emocional para manejar y controlar con perfecta comunicación su cuerpo mente y espíritu.
Cuando por un momento sucede, ese instante mismo en que parece hacerse un mago de su cuerpo, con el que juega, esperando dominarlo sublimemente.

Ese es el instante más intenso en el que se es uno mismo. Dentro de la magia de la danza.

Referencia Bibliografica:
1.Energia del actor.Claudio di Girolamo

Mariana Papaqui Briones.

Un nuevo amanecer..

Alguna vez has despertado de un sueño tan profundo que al despertar es inevitable hacerte la pregunta ..¿fue un sueño? tal vez es una pregunta tonta pero llena de verdades, de visiones inalcanzables, pero siempre dejando una gama de sabores, colores, formas y algunas veces de aprendizajes que solo ahí en ese instante de nuestro sueño podremos experimentarlos pues dejan una sensación que seguramente en cuanto la vivas dirás "esto ya lo viví"

Es así como en esta etapa de mi vida profesional me siento, en un sueño de 5 largos años donde experimente tantos placeres, disgustos, aciertos, errores... en fin miles de cosas que en su momento algunas me dieron motivación y otras más me derrumbaron, pero sin embargo sigo aquí en la recta final de un sueño profundo que pronto llegara a un nuevo amanecer.

No se si ese amanecer sea con un hermoso sol o con una terrible tormenta lo único de lo que estoy segura es que ese día sera el despertar de mi último sueño en el que tenia todo seguro y si no seguro por lo menos no tenia ningún problema si cometía alguna equivocación, pues estaba rodeada de gente en la cual podía apoyarme para retomar el camino o para afianzar más mis pasos.

Hoy mis compañeras de viaje y yo esperamos ansiosas ese despertar, cada una con sus propios miedos, con sus propias ilusiones e impacientes de realizar mil cosas al conocer nuestro nuevo mundo pero siempre consientes de que las 7 venimos de un sueño que compartimos y que pronto sera un sueño único.


Deseo de todo corazón que para todas nuestro despertar se un hermoso amanecer...

Elizabeth Castro

EN ESCENA

Morpho-Azul hoy estuvo en escena. ¡Al fin estrenó “Dentro: Encuentro”!
Quisiera compartir que fue una función llena de altibajos, de matices, de polaridades, de errores y lecciones… Llena de VIDA. Llena de un universo de sensaciones que sólo quien ha vivido de cerca la escena puede entender, y difícilmente describir. Incluso así lo intentaré, a sabiendas que puede faltar o sobrar detalles.
Estar en el escenario significa estar expuesto, desnudando tu alma, es tomar tu corazón con la mano y brindárselo al espectador. Tu cuerpo habla y no miente, pero el discurso trasciende lo material: los huesos, los músculos, la piel; porque se vuelven portadores y no creadores de la energía y de las sensaciones. Como nos dijo nuestro director, Francisco Carrera: “Con esta coreografía, ellos van a mirar su espíritu no su cuerpo”.
La escena es una lupa gigante, donde todo tu trabajo se observa detallada y meticulosamente tus aciertos y tus errores se maximizan. Por eso es un reto enfrentarte a ella, sabiendo el examen al que vas a someter a tu ser, como antes mencioné. Pero SIEMPRE vale la pena.
Los “errores” o simples distracciones de la memoria, estuvieron presentes en nuestra función, tal vez por nervios o por inseguridad, de cualquier forma “crecer es lo que uno hace después de equivocarse” (de la película "El Principio de Arquímedes”).

Lidia López

Del Poder a Poder...

Ahora, y casi por concluir la licenciatura sabemos que estudiar y hacer danza cuesta mucho esfuerzo fìsico y mental, sacrificios, siempre buscando superaciòn dìa a dìa sin importar que existan lastimaduras o cansancio; por que dejar pasar un dìa sin entrenarse es retroceder, siempre hay que estar en cuerpo y alma a la danza, exigiendo cada vez màs un entrenamiento personal. Es por ello que agradesco a mis profesores por sus enseñanzas, a mis amigas por vivir esta aventura y pasiòn por la danza. Y comparto con ustedes un breve parrafo de lo que cuesta hacer danza, pero que cuando se quiere se puede...

"Poder es perder el miedo a los demás, a las convenciones, para atreverme a hurgar en mis sentimientos, en mis sueños, en mi imaginacion. Poder es creer en mi capacidad de hacer vibrar el aire. Poder es estar a la altura todos los dias para conservar el instrumento de mi poder: mi cuerpo afilado, agudo; es poder sobreponerse al dolor, a las lastimaduras. El sentirse fuerte fìsicamente es sentirse poderosa y capaz de rebasar las fronteras. Pero poder cuesta caro. Poder puede ser renunciar a mucho.

Poder es volverse terriblemete vulnerable, expuesta, y a la vez fabricarse un caparazòn de determinaciòn. Poder se arraiga en la necesidad imperiosa de estar ahì, de tener que realizar esto, vital, imprecindible. Es certidumbre en medio de algunos cauces, sin menospreciar los retos y las trampas, es convicciòn. Es retarse a uno mismo y a sus propios monstruos ( la timidez, el cansancio) y ser el vìnculo de una energìa que nos rebasa. Es abandonarse a otro poder, a una suerte de sentimiento amoroso mayor. Es defender un proyecto y luchar, en primer lugar, contra sì mismo o para sì mismo, y contra y para los demàs."

Lo bailado.. nadie me lo quita

Memorias de una bailarina

Solagne Lebourges

"Mujeres de luna: al filo del agua"

“Mujeres de luna: al filo del agua” Esta obra fue concebida para tener una duración aproximada de 45 minutos, por lo que representa un programa completo de danza contemporánea.
Es una obra de nueva creación y participarán las siete intérpretes de Morpho Azul, con ésta serán evaluadas las integrantes del grupo que eligieron como forma de titulación hacer examen profesional como ejecutantes.

Algunas palabras q vinieron a mi mente al ser mencionadas otras:
Luna: luz hermosa durante la noche.
Agua: fuente de vida, indispensable.
Mujeres: problemas, locura, belleza, sensualidad.
Orilla: peligro, vértigo, diversión, tranquilidad.
Limite: llegar más lejos del impedimento.
Mujeres de luna al filo del agua: sueño (soñar)
Ultimo viaje: el final de una vida, alcanzar una meta.

Yo imagino que una mujer de luna es simplemente hermosa, con una belleza que se transmite de cualquier forma en que se le vea, no solo físicamente, si no en su forma de ser y de actuar.

Arrancamos el montaje de esta obra en lo físico, ya que habíamos comenzado de manera de lecturas y escritos, de aquí en adelante tenemos que estar concentradas y tener paciencia como lo dijo nuestro director Francisco Carrera, porque no es un proceso fácil y mucho menos sencillo.

Julieta Arau.

¿AMAR-DANZAR?

Continuando con la publicación anterior (Dando vida a la Danza), en esta ocasión quiero aportar algo que me parece significativo y que en este momento me mueve: crear, es sí, una forma de transformar, generar e inventar. Para mí, crear es mucho mas profundo, es también la forma en la que el ser humano ha podido transitar por la vida; crear es reinventarse cada día; es encontrar las razones suficientes para lograr todo aquello que nos proponemos, porque, sí, se crea y se genera para la escena, y en el mundo existen personas con este toque de genialidad para hacerlo, pero en general, todos creamos. Creamos palabras, historias, sentimientos, imágenes, máscaras, farsas, realidades, fantasías, deseos. Creamos amores.

Es este último, el amor, lo más genuino que tiene el creador escénico para hacer, para entender sus pensamientos y darles vida al realizarse en el escenario. Es el amor el que mueve fibras y toca las emociones del otro, y no hablo de amor como nos lo han vendido de manera comercial e insignificante y degradada, sino de aquello que es inherente a nuestra especie y nos invita de manera inevitable al momento irreversible de crear; del amor que se siente por lo que uno hace, el amor a la vida y al otro, el amor a lo simple y sencillo que se vuelve amor al efectuarse.

Amar es darle oportunidad a ese algo, de salir y de multiplicarse en cientos de instantes que le sirven al acto, a la danza, para tener fuerza y existir y persistir; evolucionar y modificar ese resultado final que redunda en la coreografía, y que muestra a un ser capaz de amar el movimiento, de dejarse envolver por él y envolverlo.

Quizá el tema por sí solo se antoja ridículo y sumamente trillado, pero es justo aquí, en esto que se ha vuelto popular por la connotación que se le da, que se encuentra el verdadero sentido de conducción de todo aquel que crea para la escena, sin importar amor a qué, tampoco a quién, o cómo. Es tan real y sincero lo que puede percibirse en el interior de cada ser, que al final, la escena, la coreografía es solamente el medio dispuesto para canalizar este transformar del cuerpo que se da de manera natural cuando en la vida cotidiana concebimos algo: es aquí, en la escena, donde se materializa y cuaja el imaginario de crear amando o amar creando…

ATENAS ARROYO ALDANA

Dando vida a la danza.

La acción de crear, es una forma de generar, inventar o transformar. La creación coreográfica en la danza contemporánea no deja de sorprendernos, pues continúa de forma paralela a las necesidades de expresión humana por supuesto. Pero mas allá de ello los bailarines y coreógrafos se plantean y cuestionan constantemente ideas para crear innovando.

El hacer un trabajo de composición requiere de preparación, practica mucha intuición y sensibilidad entre otras más, de cierta forma es jugar lo justo y lo necesario con el corazón.

Durante un montaje se puede ver la obra completa como el objetivo final, pues de alguna forma la creación dancística se culmina en escena sin embargo durante el montaje existen una serie de procesos que le van dando vida. Cada coreógrafo tiene su punto de partida y una forma diferente para trabajarlo y comunicarse con su obra .No todo está en sus manos, pues el bailarín se mantiene perceptivo a él y a la obra para propiciar y mantener una comunicación que facilite y mejore el proceso. Así se nutren mutuamente en el camino hacia la creación.

Cada camino suele ser distinto, aunque el espacio o el tiempo sea el mismo, incluso el cuerpo deja de serlo cuando el movimiento lo transforma.
Morpho Azul ha emprendido un nuevo viaje con el montaje que lleva por nombre:“mujeres de luna : al filo del agua”. Para estrenarse en los próximos meses.

Mariana Papaqui Briones.

... Y AQUÍ ESTAMOS

Después de casi cinco años de estar juntas, nos encontramos de frente con el reto -sin temor a equivocarme- más grande de toda la licenciatura.

No sólo se trata de presentar examen porfesional sino de lograr ser eso, PROFESIONALES de nuestro arte, de nuestra danza. De eso que nos mantuvo en el camino durante un lustro, de eso que nos alimenta el espiritu, de eso que ahora nos trae tantos dolores de cabeza, tantas torceduras, tantas lesiones que al final, forman parte de nuestro haber, de nuestro quehacer como próximas licenciadas en danza.

Y aquí seguimos... talvez más confundidas que antes, más confundidas que nunca, a punto de enfrentar cara a cara el mundo exterior, el que no perdona, el que no regala...

Seguimos, a fin de cuentas y contra todo pronóstico, UNIDAS, juntas, apoyándonos, ayudándonos, intentando ser mejores de lo que los demás esperan, de lo que nosotras mismas creíamos.

Podemos hacerlo! no llegamos hasta aquí para rendirnos, no ahora, no nunca!!

A pesar de todas las dudas de todos los roses, las lesiones, los regaños, la falta de paciencia. A pesar de todo y de todos AQUI SEGUIMOS... y seguiremos hasta que el cuerpo aguante(...)

Susana Galindo Aguilar

Para bailar, hay que saber respirar.

Un bailarín en movimiento requiere de una postura, precisión, concentración y una plena dedicación a su trabajo como artista, pero no olvidemos que para lograr todos estos objetivos se debe tener en cuenta la respiración que siempre estará acompañada de el flujo de energía.

¿Porque saber respirar? pues bien para empezar diré que la respiración es la base primordial del mecanismo del cuerpo y mientras más entrenemos nuestra respiración podremos lograr una conexión interna, que al mismo tiempo ayudara a que las articulaciones se relajen o simplemente estén preparadas para cualquier cambio de energía,fuerza,movimientos lentos o rápidos, es por eso que hablo de un entrenamiento de la respiración pues se trata de llevarla a cada parte del cuerpo ya que muchas veces solo la llevamos en la parte pectoral y no hasta la cavidad de nuestro centro es decir la parte baja del abdomen, esto no quiere decir que debe ser evidente en el escenario a no ser que el coreógrafo pida que sea notoria.

Elizabeth Castro.

Tocando puertas

Uno de los objetivos del grupo es que nosotras las futuras egresadas obtengamos la profesionalización en danza, y uno de los aspectos para lograrla es la gestión.
En estos momentos el grupo se encuentra en ese punto esencial del proceso de aprendizaje, es donde se obtiene experiencia no sólo dancística sino personal y es el que se asemeja más a la realidad laboral: Pedir funciones o “TOCAR PUERTAS”.
Por ahora, nuestro reto es conseguir y dar por lo menos 10 funciones en un mes. Muchos pensarán que no es nada del otro mundo bailar 10 veces en un mes, y es cierto. Lo complicado es conseguir que te den los espacios donde presentarte.
Es como ir a pedir trabajo:
Debes llegar amablemente, aunque ya no estés tan animoso después de que el guardia de la puerta no quería dejarte pasar.
Obviamente, llegar con una solicitud de empleo, en este caso con una CARPETA, la cual para hacerse requiere de un proceso minucioso.
Después, entras a una oficina (o tal vez sólo te atienden en la sala de espera) donde te piden resumas toda tu carpeta en unas cuantas frases; frases que debes seleccionar bien para que decidan a favor de tu proyecto. Algunos te dicen: “Déjanos tu proyecto, nosotros te hablamos” (pero hasta ahora ese no ha sido nuestro caso) y otros te dicen sin problema: “Sí, ¿qué día quieres presentarte?”.
Y piensas: ¡Por fin una función!
Pero aún te falta checar el espacio para saber si es idóneo para tus coreografías, tal vez sea demasiado pequeño, o de cemento y tus coreografías tiene muchos momentos en el piso. Pero, como buen bailarín sabrás resolverlo. De cualquier manera, se consiguió una función más y para nosotras una preocupación menos.

Probablemente este pequeño escrito suene pesimista, pero pienso que lo más importante no es todo lo mencionado, sino obtener la experiencia de enfrentarte a un mundo laboral real, ir dejando la protección de la escuela, proponerse siempre llevar un buen proyecto, aprender a aceptar los “sí y los no” sólo como posibilidades y no como determinantes, porque finalmente nada está escrito.
Ya que: CUANDO SE CIERRA UNA PUERTA, SIEMPRE HABRÁN MUCHAS MÁS ABIERTAS.
Y lo mejor será seguir tocando puertas
Lidia López